Il patriarcato è morto. Viva il patriarcato

Che il patriarcato sia diventato un’altra delle tante voci di bilancio non è certo una novità. È semmai l’ennesima prova di come il mercato sappia infilarsi nelle piazze della rivolta per mettere in vetrina le urla di protesta che sente senza ascoltare, finendo così solo per svuotarle dall’interno. Un circolo vizioso che attraversa ormai l’intera industria del pensiero, dai convegni accademici che finiscono nel limbo fino alle librerie di catena, dove i grandi classici — ristampati e semplificati con l’intelligenza artificiale per non affaticare i neuroni di nessuno — dividono lo scaffale con il libro del content creator che dice di saperne più dello storico e del filosofo e con l’asciugamano da mare con la faccia di Antonio Gramsci e l’agendina di Frida Kahlo in sconto per il Black Friday.

Finché questa logica resta confinata nei supermercati della carta stampata, siamo solo dentro le regole note del commercio, i guai semmai cominciano quando questa mentalità da bancarella invade le sale espositive e pretende pure di salire in cattedra a farci la morale.

Magari nelle intenzioni di chi ha promosso e allestito il MUPA, il Museo del Patriarcato — un progetto firmato da ActionAid ospitato negli spazi de La Santissima – Community Hub dal 12 al 25 novembre — c’era tutt’altro, eppure, una volta fuori, il mercato finisce per mangiare il museo. Già sulla soglia, infatti, a dispetto dell’ingresso gratuito, un banchetto carico di borse di tela, tappetini e gadget dagli slogan stantii dichiara subito la natura esatta dell’operazione: vendere l’estetica del dissenso risparmiandosi la fatica di capirlo.

Sulla carta, il trucco narrativo poteva funzionare: catapultare lo spettatore nel 2146, centoventi anni avanti, in una società che ha debellato il patriarcato come la peste e ne espone i cocci. Il grande cinema lo dimostra da sempre quanto la fantascienza possa smascherare il presente a patto però che si abbia il fegato di frugare nel marcio di casa, non se la usi come un piedistallo per sentirti già assolto. Peccato che, varcata quella soglia, di futuro non ci sia nemmeno l’ombra, al posto di un viaggio nel 2146 ci si ritrova proiettati nei bagni pubblici dell’IKEA, elevati per l’occasione a installazione culturale.  

Nei servizi del colosso svedese, infatti, compaiono da tempo installazioni e messaggi diretti contro la violenza di genere accompagnati poi dal numero antiviolenza 1522. Una comunicazione efficace che funziona proprio perché non ha alcuna pretesa artistica. Nei venti secondi in cui ci si lava le mani, ci si imbatte in un messaggio stereotipato così da far riconoscere immediatamente una trappola concreta, e così, mentre ci si asciuga si è costretti a guardarsi dentro e a chiedersi quanto abbiamo reso normale tutto questo. Portato dentro una rassegna museale, però, lo stesso meccanismo si inceppa e prelevare quel linguaggio d’emergenza spacciandolo per indagine culturale svuota il messaggio di ogni urgenza. Nel bagno dell’IKEA ti lavi le mani e ti svegli, al museo del patriarcato ti lavi la coscienza e torni a dormire.

Il primo grande tradimento concettuale dell’esposizione sta nel ridurre il dominio patriarcale a una partita di calcetto tra maschietti e femminucce. Una semplificazione grottesca, perché nel museo c’è poco spazio per la violenza patriarcale esercitata sugli uomini, per quella di donne su altre donne, per quella rivolta contro la comunità LGBTQIA+: tutto ciò che non rientra nelle due squadre resta fuori campo. Il patriarcato è prima di tutto una macchina sociale che usa il genere per legittimarsi ma trita tutti, a partire dagli uomini stessi, addestrati fin da bambini a mutilare le proprie emozioni e a misurare il proprio valore solo con i soldi, i muscoli e il comando, e che esisteva ben prima del capitalismo. Eppure, sala dopo sala, l’allestimento finisce per riprodurre proprio quella logica di esclusione che vorrebbe – e addirittura pretende – di archiviare.

Lo dimostra chiaramente l’installazione sulle spose bambine, dove al posto di un’analisi su povertà, guerre e leggi troviamo lo shock emotivo da mercatino: un video in loop con una bambina nera che corre nei campi, quattro rose blu a terra e un abitino bianco in miniatura appena uscito dai negozi per la prima comunione. Peccato che nelle tradizioni africane non esistano le rose blu — un feticcio occidentale che non cresce in natura né appartiene a quei riti — e non esista nemmeno un abito da sposa bambina. Nella realtà delle unioni precoci infatti, alle minori vengono fatti indossare gli abiti cerimoniali delle donne adulte della propria comunità, carichi di tessuti e simboli che sanciscono l’ingresso forzato nei doveri coniugali. Cancellare questa verità per infilarci un vestitino bianco da Italietta parrocchiale significa appiattire migliaia di culture diverse in un unico cliché.

Riaffiora così il vecchio sguardo coloniale, vestito a festa per l’occasione con gli abiti dell’attivismo, che riduce una tragedia complessa a una cartolina pietistica permettendo allo spettatore di mormorare “povera gente” sentirsi moralmente superiore, e assolto dal compito di guardare le violenze di casa propria. Prima di esporre un patriarcato lontano da noi, forse sarebbe stato il caso di decentrare lo sguardo guardandosi allo specchio.

E infatti, appena fuori da quella sala, è proprio nello specchio che ci si imbatte in un’installazione denominata “Specchio delle mie brame” una superficie lucida affiancata dalla sagoma cartonata di un uomo bianco in giacca e cravatta che pare appena uscito dalla foto profilo di LinkedIn. L’interattività dell’opera consisterebbe nell’appiccicare attorno alla figura alcuni fumetti tipici di quella mentalità, ma il “lascia che ti spieghi” piazzato subito dopo l’installazione sulle spose bambine crea un’accoppiata talmente grottesca da far venire il dubbio che a pronunciare quella frase non sia il pupazzo di cartone, bensì la mostra stessa.

Persino quando il percorso tenta la denuncia dura, finisce per riciclare codici già consumati. Gli armadietti da palestra per raccontare la violenza nello sport con gli insulti ripuliti dal filtro educato di ChatGPT, la proiezione su sfondo nero dei nomi delle donne uccise — un rito da piazza vecchio di vent’anni che commuove per cinque minuti senza mai spiegare il meccanismo che produce quei morti — e infine il vecchio televisore a tubo catodico con le pubblicità sessiste degli ultimi decenni, ormai materiale da meme davanti al quale si finge indignazione per il “Brava Giovanna, brava”, che sotto sotto ci strappa ancora un sorriso — perché riconoscere un sistema tossico non significa inevitabilmente diventare moralisti e bacchettoni.

Poco più in là troviamo un’altra installazione fatta con un vestitino rosso esposto denominata Outfit. Ricamate sopra frasi come “dove sei”, “con chi sei”, “colpa tua”, messe lì per simboleggiare il linguaggio del controllo. L’opera sembra voler scimmiottare in modo sbrigativo Com’eri vestita? (What Were You Wearing?), il celebre progetto internazionale nato per smontare la colpevolizzazione delle vittime di violenza sessuale, ma finisce solo per mancare completamente il bersaglio. Prima ancora di diventare il pretesto per il controllo di un partner, infatti, il patriarcato abita dentro l’industria stessa della moda, un settore percepito come “femminile” e alimentato dal consumo delle donne, ma i cui vertici decisionali — dai direttori creativi agli amministratori delegati dei grandi gruppi del lusso — sono quasi tutti uomini che decidono come i corpi femminili debbano apparire e sentirsi. Con un minimo di ricerca, un’installazione intitolata “outfit” avrebbe potuto mostrare chi tiene davvero in mano le forbici della moda. Invece, appiccicando tre frasi da manuale su un vestito rosso, si finisce solo per ridurre una gabbia economica e culturale ad un semplice capo da vetrina, perfetto però come contenuto social. 

Accanto a quell’abito campeggia poi una lampada al neon da fiera di paese con la scritta “Sorella io ti credo”. Anche qui si sarebbe potuto osare di più, magari spegnendo quell’insegna rassicurante per accenderne altre con i tanti “se” che accompagnano questa frase così carica politicamente. Negli ambienti progressisti e femministi, infatti, ci si guarda bene dal toccare le gerarchie di patriarcato interiorizzato che li attraversano, e così nella vita quotidiana quella promessa è piena di condizioni non dette: “Sorella io ti credo” se non hai una mente o un corpo fuori dagli schemi, se possiedi i soldi o le parole giuste, se non disturbi chi comanda nel gruppo. Installare e illuminare quei “se” avrebbe probabilmente fatto saltare la corrente a tutta la baracca, ma se si tratta di esporre i reperti storici di un sistema di potere a un’epoca futura, bisogna avere il coraggio di mostrarli per intero, non limitarsi a quattro cocci innocui.

Ma la contraddizione più feroce esplode proprio nelle opere che pretendono di raccontare le battaglie di oggi. Un’installazione sul divario salariale mette a confronto due buste paga, rigorosamente una rosa e una azzurra. Va benissimo denunciare che le donne guadagnano meno degli uomini, ma in un museo dedicato al patriarcato questa scelta finisce per riprodurre proprio lo schema rigido a due colori del sistema che vorrebbe smontare. La violenza economica patriarcale non colpisce solo chi è donna, colpisce qualsiasi corpo o vita che non corrisponda al modello maschile produttivo e conforme. Ridurre tutto al rosa e all’azzurro significa cancellare dall’archivio storico tutti gli altri corpi — come le persone trans o chi non si riconosce in nessuna delle due caselle — che nel mondo del lavoro spesso non arrivano nemmeno a discuterlo, uno stipendio, perché vengono respinte prima ancora di entrare.

A chiudere il cerchio perfetto con il mobilificio svedese dell’inizio resta infine l’ultima installazione, alcune ante di armadio in legni diversi danneggiate da un pugno, messe lì a simboleggiare la rabbia domestica. Un gesto scenografico muto, che regala uno shock visivo inutile perché riduce la violenza alla sola esplosione fisica visibile, lasciando nell’ombra quella quotidiana, psicologica ed economica che non lascia buchi nel legno ma distrugge le vite in silenzio.

Eppure, l’idea di partenza aveva tutto per diventare un’operazione memorabile. Se davvero volevamo immaginarci nel 2146 e osservare le tracce del patriarcato odierno, bisognava avere il coraggio di spingersi oltre ed esporre non i soliti luoghi comuni che già conosciamo a memoria, ma i reperti invisibili della nostra normalità: i contratti precari che ricattano chi vuole avere un figlio, le sentenze dei tribunali che ancora misurano la credibilità di una donna dalla lunghezza della sua gonna, i bilanci delle aziende che usano le battaglie civili come vernice pubblicitaria mentre sfruttano chi lavora, o le conversazioni quotidiane in cui noi stessi — donne comprese — giudichiamo gli altri attraverso le lenti del privilegio, del potere e del denaro. Un museo del futuro dovrebbe servire a farci uscire dalla sala con il disagio e la brutalità di aver scoperto una nostra complicità, non con la pacca sulla spalla di chi si sente già assolto.

Sul pannello d’ingresso si legge che questa dovrebbe essere “un’esperienza per compiere un viaggio nel futuro e osservare il nostro presente con occhi diversi”, scardinando così gli stereotipi e chiedendosi perché certi comportamenti siano ancora accettati oggi. È un invito che, arrivati all’uscita, viene voglia di rispedire al mittente. Prima di insegnare a noi come guardare il mondo, chi ha allestito queste sale farebbe bene a cambiare le proprie lenti, ormai completamente fuori fuoco. Noi, intanto ci accingiamo all’uscita e tornando in strada proviamo a ripulire le nostre, magari fischiettando la canzone “Il conformista” di Giorgio Gaber, un brano che dopo mezz’ora qui dentro parte in testa da solo.